畫說 - 2. 二爺

2. 二爺

永厚先生说:今年是兔二爷当令,但现在行二的太多,富二代,官二代——都是二爷。

我乐了。不是二爷,是“儿爷”。

西方世界最昂贵的20幅油畫解讀 – 14

十四、《伏尔加河上纤夫》 

列宾   1870-1873  布面油画 281x131.5   

现藏俄罗斯博物馆。

列宾（1844-  1930)   俄罗斯最伟大的画家之一，是俄国19世纪后期的俄国批判现实主义绘画主要的代表之一，巡回展览画派的代表。

西方世界最昂贵的20幅油畫解讀 – 13

十三、《日出·印象》(Impression Sunrise)   

莫奈  公元1872年  布面油画   48 × 63  

现藏法国巴黎马尔莫丹艺术陈列馆

在西方绘画史上，自文艺复兴以来，尽量逼真地再现自然便是许多艺术家梦寐以求的。

西方世界最昂贵的20幅油畫解讀 – 12

十二、《泉》 

安格尔

年轻的裸女拿着壶罐让水倒出来，其肌肉因安格尔美丽柔缓的曲线而更具魅力。色彩运用非常柔和而富于变化。

表现清高绝俗和庄严肃穆的美。这幅《泉》早在安格尔在佛罗伦萨期间就开始酝酿，事阁三十多年以后才最终完成。

制作：Bulrusher

资料引用自│Icê Blüe

西方世界最昂贵的20幅油畫解讀 – 11

十一、《自缢者之家》 塞尚

1872年末，塞尚离开了蓬图瓦兹对岸的旅馆，到了奥维尔村。

通过在蓬图瓦兹与毕沙罗、基约曼一起人事创作，塞尚在作画中，充分地运用了学到的印象派手法，在色彩方面比以前明亮了，画面富有生气，笔触较为细腻。不过，仍然保留着结实、粗犷这些原有的特征。

       

西方世界最昂贵的20幅油畫解讀 – 10

十、《打阳伞的女人》 莫奈

这件作品是莫奈早期的印象技法画作。画面正中偏右站着一位撑阳伞的女仕，而画面偏左较远处的就是她的儿子。这是一个晴天的早上，两母子在草地上漫步。

整幅画只用了简单的蓝、绿、棕等自然的色彩，给人一种宁静舒适的感觉。

西方世界最昂贵的20幅油畫解讀 – 9

九、《吹笛少年》

马奈  1866年 油画 161x97厘米 

现藏巴黎奥塞美术馆

马奈早年受过学院派的六年教育，后又研究许多历代大师的作品。

他的画既有传统绘画坚实的造型，又有印象主义画派明亮、鲜艳、充满光感的色彩，可以说他是一个承上启下的重要画家。

西方世界最昂贵的20幅油畫解讀 – 8

八、《圣母子》

拉斐尔 1504—05年  板面油画  58 x 43厘米     

现藏华盛顿国立美术馆

画中，我们看到圣母子坐在凳子上，背后是一片温柔和景色。这天，风和日丽，我们可以看到远处的山峦融进浅蓝色的天空。

       

西方世界最昂贵的20幅油畫解讀 – 7

七、《大宫女》(The Grand Odalisque)  

奥古斯特·多米尼克·安格尔 公元1814年 布面油画  91×162cm  

现藏法国巴黎卢浮宫藏

安格尔在等待去罗马留学的这段时间，曾接受过今属比利时的列日城的一幅订件，为那里画一幅《第一执政波拿巴肖像》，此时正值１８０３年，即路易十六被处死之后，拿破仑又发动旨在推翻督政府的雾月十八日政变的重要时期。

这位第一执政官要实行全国的军事统治，人民无不切齿痛恨。安格尔却应允去完成这样一幅肖像画。

１８０６年，他又画了《拿破仑一世在皇座上》，这后一件作品已是赤裸裸地为庆贺这个军事独裁者称帝而创作的歌颂性作品。

安格尔不问政治，却在这两幅画上宣告了自己的立场。当作品于同年在巴黎沙龙展出时，受到了舆论界的冷嘲热讽。

        

在罗马的安格尔获知这幅画的反应后，心情非常沉重，曾愤慨地表示：“人们总以为，沙龙是鼓励绘画的地方，其实不，它给绘画提供的是一条可悲的道路。

”１８１３年，他与玛德莱娜·夏佩尔小姐结婚，总算使他得到一些慰藉。他说道：“夏佩尔是自我牺牲精神的典范，她成为我生活中的安慰。”这时，他除了画神话题材之外，还画了几幅裸体题材的大画，准备送往巴黎再度露面。

这一幅《大宫女》（这时法国的贵族上层对具有强烈的东方情调的土耳其内宫生活极感兴趣，一些画家为满足贵族这种视觉需要刻意去描绘土耳其闺房的淫艳生活。

安格尔先后画过好几幅土耳其宫女的形象。《大宫女》这一画题是为区别他的另一幅油画《宫女》）就是这时期他描绘裸女题材的代表作之一。

       

这幅画在巴黎展出时，引起了观众更大的抨击。人们说，作为达维特的学生，安格尔走得太远了。他们讽刺说：“安格尔先生画活人，就象几何学家画固体一样。

为使其预算好的线条赋予素描以立体感，他什么事都做了！他把人体的各个局部忽而放大，忽而缩小，就象普洛克鲁斯特床上的俘虏（Procrustes）传说中的古希腊强盗，缚其俘虏于铁床上，如身长过榻则断其足，如不及则强伸之使与榻等，一样随意伸缩。

有时他感到沮丧，便不再去加强这种可诅咒的立体感，开始使轮廓完善。这就叫舍本求末，用刀鞘代替宝剑来决斗。

       

评论家德·凯拉特里说得较为中肯些，他曾对安格尔的学生说：“他的这位宫女的背部至少多了三节脊椎骨。

”然而安格尔的学生、曾为其老师作传记的阿莫里·杜瓦尔说得就更中肯：“他可能是对的，可是这又怎么样呢？也许正因为这段秀长的腰部才使她如此柔和，能一下子慑服住观众。假如她的身体比例绝对地准确，那就很可能不这样诱人了。

        

这幅《大宫女》就严格的古典风格去要求，确实存在很多“越轨”之处，首先，色彩的“音域”受到严重破坏，背景上很强的蓝色和裸体肌肤的黄色，以及人体的明暗和粉红色调极不谐调，其次是前面所说的夸张了的形体，这个女裸体几乎成了变形美的一种试验，它完全背叛了老师的庭训。

安格尔的学生杜瓦尔为此曾竭力为他作辩解，他说：“我并不想说，安格尔先生是个浪漫主义者。但我也要肯定，他从来不是当时所理解的那种意义的‘古典主义者’。

        

安格尔似乎在这幅画上显示了自己在自然面前的独立性，但由于安格尔的美学信念的坚定性，这里的表现反而给人们造成对他的见解的模棱两可性，攻击与批评是在所难免的。

从历史的角度去认识，我们觉得安格尔具有他的探索勇气，尽管他所画的这个人物是有着很大的虚构性。

制作：Bulrusher

资料引用自│Icê Blüe

西方世界最昂贵的20幅油畫解讀 – 6

六、《梦》毕加索

1927年，47岁的毕加索与长着一头金发，体态丰美的17岁少女初次相遇，从此,这位少女便一直成为毕加索绘画和雕刻的模特儿。

又过17年，64岁的毕加索给她的生日贺信中说：“对我来说,今天是你17岁生日，虽然你已度过了两倍的岁月。

在这个世界上,与你相遇才是我生命的开始。”这幅画作于1932年，可以说是毕加索对精神与肉体的爱的最完美的体现。

制作：Bulrusher

资料引用自│Icê Blüe

西方世界最昂贵的20幅油畫解讀 – 5

五、《创造亚当》

米开朗基罗  1508-1512年 壁画 约540平方米

现藏罗马梵蒂冈西斯廷礼拜堂 

米开朗琪罗·博纳罗蒂（1475-1564年）是文艺复兴时期最伟大的人物。

他在雕塑、绘画、建筑领域内都留下不朽的业绩，另外，他还写出不少优美的诗篇。在时人和后人心目中，他是神一般的巨在。

罗曼·罗兰在《米开朗琪罗传》结尾处的那一段赞词，就是一个显明的例证。可惜它较长，无法在此摘引了。

       

从早期的杰作《大卫》（1501-1504年）问世后，他就是全意大利首屈一指的雕塑大师，而他本人，也一直认为自己是为雕塑而生的。

教皇尤里乌斯二世让他绘制西斯廷礼拜堂天顶画时，他并不心甘情愿。

他亲笔写下的文字记录（“我，雕刻家米开朗琪罗，于1508年5月10日，收到圣父教皇尤里乌斯财库的500金币，这是由于我开始从事西斯廷礼拜堂天顶画的创作。“），就透露着他的不悦之情。他曾反复向教皇申述绘画不是他的专业，希望不要交给他这桩苦差事。

       

西斯廷礼拜堂是教皇私人的礼拜堂，它的墙壁留着15世纪意大利绘画名家的手笔，交给米开朗琪罗作画的地方，是高高在上的天花板。

它的位置，它的形状，它的面积，都表明这是一个极为艰巨的任务。本想应付了事的米开朗琪罗，很快就显出了他的英雄本色，决心使西斯廷天顶画成为世间最壮观的绘画。

他克服难以想像的困难，历时四年，独自一人完成了约540平方米的大壁画。

       

西斯廷天顶画主体部分表现《旧约·创世纪》的故事，由相关的九幅画组成。

另一些地方，还有一系列先知、女预言者之类的形象。观赏整个天顶画，如同聆听指挥大师在引领乐队演奏一首雄浑的交响曲，《创造亚当》就是这首交响曲最壮丽的乐章。这个场面相当单纯，它可分为两部分，上帝和亚当。右方的上帝，整个形体飞腾在空中，挟着雷霆万钧之力向前方冲去，他伸出的手指，会把生机和活力注入正用目光企盼这神圣一刻的亚当。与上帝不同，亚当（这是与《大卫》一样富于理想男性之美的形象）的动作是舒缓的，他正处在觉醒中，那无力的手只有触碰到上帝之手后，才能使他站立起来，真正成为万物之灵。

以相互伸出的手指为中心，米开朗琪罗借助雄伟的形象、生动的姿势、单纯的色彩，有力地展示了创造人类的壮丽景象。

       

中世纪的宗教画，是不会有米开朗琪罗西斯廷天顶画上那一个个结构完整的全裸半裸的人物的，那一个个富于人性的高大形象的。

可以说，弥漫在《创造亚当》（自然也是整个天顶画）中的无限活力和宏伟气势，显示了人的巨大创造力，以及画家本人的信心，这种种都于文艺复兴。

       

米开朗基罗在大厅的中央部分按建筑框边画了连续9幅大小不一的宗教画，均取材于《圣经》中有关开天辟地直到洪水方舟的故事，分别名为《神分光暗》，《创造日,月,草木》，《神水分陆》，《创造亚当》，《创造夏娃》，《诱惑与逐出乐园》，《挪亚献祭》，《洪水》，《醉酒》。

       

这幅巨型壁画历时4年多才完成，由于长期仰面艰苦作画，他颈项僵直，书信都要置头顶仰视。其中以《创造亚当》最为出色，画中亚当的形象体态健壮，气魄宏伟，具有强烈的意志与力量。

显示了艺术家在写实的基础上非同寻常的理想加工，予同时代人深刻的启示。

制作：Bulrusher

资料引用自│Icê Blüe

西方世界最昂贵的20幅油畫解讀 - 3

三、《向日葵》

梵高  1888年 布面油画  91x72   

现藏英国伦敦国家画廊

剧意识,其强烈的个性和在形式上的独特追求，远远走在代的前面,的确难以被当时的人们所接受。

他以环境来抓住对象，他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生。

在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。

因此才留下了永远的艺术著作。他直接影响了法国的野兽主义，德国的表现主义，以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像。

《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。

       

画家像闪烁着熊熊的火焰，满怀炽热的、运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力，色彩的对比也是单纯强烈的。

然而，在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。

观者在观看此画时，无不为那激动人心的画面效果而感应，心灵为之震颤,激情也喷薄而出，无不跃跃欲试，共同融入到凡高丰富的主观感情中去。总之，凡高笔下的向日葵不仅仅是植物，而是带有原始冲动和热情的生命体。

制作：Bulrusher

资料引用自│Icê Blüe

西方世界最昂贵的20幅油畫解讀 - 2

二、《最后的晚餐》 

达·芬奇  1495-1498年 油画  460x880  

现藏米兰蒙恩圣马利亚修道院

公元15至16世纪，由于特殊的地理位置和频繁的商贸往来，见多识广的意大利人开始注意到那些已被遗忘多年的古罗马文化。诸多的学者、建筑师、艺术家云集于此，探索不同于中世纪的经验和知识，每个人都勤奋地工作，心怀对荣誉与名声的渴望。

19世纪瑞士的著名学者雅各布·布克哈特把这个阶段称作“文艺复兴”，意思是强调它与古代希腊、罗马文明的关联，不过，他也在《意大利文艺复兴时期的文化》这本著作中申明，古典的影响仅仅是一个方面，没有它，文艺复兴仍然会发生，因为对于后人来说，文艺复兴最重要的成就乃是对于人性的发现。

《最后的晚餐》是一幅大型壁画，它位于意大利米兰省一所多明我会（Dominican）修道院食堂的墙面上。这所修道院被15世纪米兰公国的实际掌权者罗督维科（Ludovico）视为自己的宫廷教堂，每逢周二、四，他都要来这里同修道士们一起进餐。

因为食堂尽头的墙壁正对着修道院的餐桌，所以大公希望能够在用餐时看到一幅表现《圣经》中最后晚餐场面的壁画，以使所有人感念基督的苦难与恩泽。最终，他把这项重要的任务委托给了他忠爱的画家--莱奥纳多·达·芬奇（Leonardo da Vinci ，1452-1519）。

莱奥纳多是一位历史上少有的画家，关于他的种种传说长久以来就没有中断过。

他一生进行了大量的创作，涉及领域包括绘画、机械、建筑、雕塑，他的头脑几乎像一个“永动机”，随时准备着为那些吸引他的事物去工作。从1457年开始，他花了两年多的时间来完成这幅巨作。

画面讲述的是耶稣在受难之前与门徒们一起过最后一个逾越节的情景。在这天晚上的宴会中，正当众人静静用餐的时候，耶稣突然说：“我实实在在地告诉你们：你们中间有一个人要出卖我了。” 

于是所有的使徒一片哗然，愁容满面，既担心自己又怀疑别人。

这在当时的修道院食堂其实是普遍流行的题材，它所表现的主题对于虔诚的教徒们来说显而易见，一切似乎没有什么新意可言。

但是，莱奥纳多的画面却要在秩序井然的外表下带动观者去体察灵魂深处奥秘的理智与热情。

画面占据了整个墙壁，赫然面对观众，背景中莱奥纳多娴熟地运用了透视法，使符合焦点透视规则的建筑结构与壁挂装饰宛如食堂真实空间的延伸，直至消失于窗外优美的风景。

这就使得晚宴的场景不是发生在单幅画面封闭的空间里，而是发生在整个食堂，餐桌上的食物与杯盘就如同食堂中修道士们所使用的一样，只要你进入这里，就已经是其中的一分子，就已经在不知不觉中开始观察、思考、呼吸。

画面的内容一下子就会将人吸引，因为它抓住了最关键而富有戏剧性的时刻。

以耶稣为中心，十二门徒有规律地每三人分为一组分列在他的两旁，表现出他们在听到耶稣的话后截然不同的反应与表情。最左边的是巴塞洛缪、小詹姆士和安德鲁，接下来的一组是犹大、彼得和约翰，耶稣右边的是托马斯、老詹姆士以及菲利普；最后的一组远离中心，包括西蒙、犹太和马太。

从他们强烈的身体姿势、手势和面部表情中，读者可以察觉到他们真实流露的品德与个性，察觉到人类内心的震惊、愤怒、恐惧、猜疑以及罪恶。

最左边三人向右凝视的目光与最右边三人向左伸出的手势联合构成了一种向心的张力，而处于中心位置的耶稣却泰然处之，不过他的平静却和叛徒犹大的紧张形成了鲜明对比。犹大手捂钱袋，身体后撤，在他的头和耶稣微微向右倾的头之间虽然留有很大的空隙，但却似乎系上了一根随时都有可能绷断的橡皮筋。

此外，作者在用光和用色上也颇下了一番苦心。

画面中几乎所有人物都面朝观众，只有犹大一人将头转向画面内部，因此脸部蒙上了浓重的阴影。

而耶稣的服装却采用了最鲜艳的红绿对比色，自然形成了画面的核心，而从他背后窗子投射进来的光线则如同来自人类世界之外的神圣光环。

耶稣着红色服装一边的手臂伸向一杯葡萄酒，意思是说“这杯是我用血所立的新约，是为你们流出来的”；着绿色服装一边的手臂伸向一块面包，意思是说“这是我的身体，为你们舍的”，当观者的视线停留在这个由耶稣的头及双臂所构成的稳定的三角形上时，他的内心深处重新响起的将是耶稣受难之前与所有门徒们所作的这个有关灵与肉的庄严约定。

莱奥纳多凭借他高超的造型技巧和捕捉人物性格的能力，对一个耳熟能详的场景做出了他独一无二而且震撼人心的诠释，我们甚至只需匆匆浏览一下所有人各不相同的手，便不难发现画家对于人的心理与情感具备多么深的洞察力。

因此难怪也有人说，这幅作品虽然表现的是宗教题材，但其真正的兴趣却在于对人类自身的理解。

制作：Bulrusher

资料引用自│Icê Blüe